FAT CAT / FRONTERAS : CERO

Animal Collective / Aire telúrico para abrir el sueño de la alhambra

Black Dice / Puerta de entrada a los nuevos tiempos

Múm / Todo el frio del mundo

Sigur Rós / Cazadores de fantasmas

Convertido en el representante más arriesgado del coolness británico descentralizado de Londres y muy atento a todo lo que cuece en los reductos más insospechados de la vanguardia menos radical, Fat Cat (http://www.fatcat.com.uk/), distribuido en Europa por PIAS, intenta no ceñirse a ninguna frontera de género ni estilo que limite su campo de acción. Si algo define la trayectoria de este sello es, precisamente, la facilidad con que sus proyectos afrontan las renovaciones estilísticas sin que el peso de la historia les pase factura. Son muchos y diversos, pero la mayoría del elenco que forma el Fat Cat más inconformista parece haber tomado como ejemplo el art noise y el puro radicalismo do it yourself antes que cualquier legado o influencia pretérita. Bandas como SIGUR ROS o MÚM, ambas islandesas y poco arraigadas en ninguna tradición, han terminado la popularidad de una plataforma que ofrece una mirada de posibilidades para entender la música popular contemporánea.
Establecido en Brighton desde su fundación en 1997, Fat Cat está dirigido por seis socios fundamentales (Alex Knight, David Cawley, Dave Howell, Jamie Cruisey, Marcus Thorne y Dave Thomas), pero , desde que la industria discográfica no funciona bien ni en el Reino Unido, la distribuidora belga PIAS se ha hecho cargo (económicamente) de la mitad de la empresa. De cualquier forma, la idea que hacía bueno el axioma principal del sello, “podemos ser cualquier cosa, lo que cuentan son las ideas que hay tras lo que hacemos”, sigue estando vigente, aunque el poderoso caballero (llámese Billete) llegue desde un bolsillo ajeno. Sin duda, la dependencia de terceros nunca ha sido buena. Paradojas del destino, en las últimas temporadas, la imagen del Gato Gordo ha despegado a todos los niveles, y se ha consolidado como uno de los sellos más personales, más innovadores y con más instinto para fichar a esos grupos que representan mejor las fórmulas de las nuevas tendencias más inclasificables: ANIMAL COLLECTIVE, BLACK DICE, ENSEMBLE, PANDA BEAR, NO AGE, THE TWILIGHT SAD, por ejemplo, son la avanzadilla “popular” de un noise weird rock que tiene en Wolf Eyes o Sightings a unas cabezas pensantes privilegiadas. Algo por el estilo sucedió con Múm y la denominada generación indietrónica.
Mirándose en el espejo de sellos que marcaron el devenir de los noventa como WARP, THRILL JOCKEY, DRAG CITY, DOMINO, SUB POP, MILLE PLATEAUX o KRANKY, los seis socios cimentaron la filosofía “Sin fronteras” que deriva de esta mezcolanza positiva de influencias. Obviando las referencias con tendencia del art rock de segunda clase y poco talento (GIDDY MOTORS y PARTY OF ONE), el catalogo de Fat Cat se ha nutrido de electrónica arty y experimental, del amplio abanico que ofrece el Post – rock, de la vanguardia (el sonido neo industrial de XINLISUPREME), del avant pop y de la música instrumental. En este aspecto, han desarrollado una etiqueta hermana, 130701, para dar salida a una serie de propuestas únicamente instrumentales. El segundo disco de SET FIRE TO FLAMES, el precioso álbum del pianista minimalista francés SYLVAIN CHAUVEAU y los devaneos con la modernidad de MAX RITCHER son, hasta el momento, las tres referencias de 130701. Pero hay más: Las Splinter Series, una etiqueta centrada en el formato del mini – CD, donde el colectivo electro – zapatista ULTRA – RED ha dejado su impronta. El turnablista de los tres brazos JANEK SCHAEFER (debutó en Fat cat en un lejano 1998 junto a Pan American en las Split Series) y la deconstrucción digital de DORINE _MURAILLE también se ha sumado a este pequeño fondo de catálogo sin aspiraciones.
A día de hoy, Fat Cat ha resuelto la difícil ecuación de combinar con soltura la estética de una nueva década, ésta, que se mueve deprisa, que es cambiante, con el espíritu de la independencia como forma de actuar, pero más importante aún: como forma de sentir el pulso de una vanguardia que puede estar al alcance de todos. Dicho de otro modo, la etiqueta Fat Cat precede a la fama de unos músicos que parecen crecerse en un sello que los hace grandes.

DISCO RECOMENDADO
VARIOS
“BRANCHES AND ROUTES”
(2003)

Las recopilaciones siempre tienen algo de soporíferas, algo de irritantemente comercial y efectista. La escasa consistencia que se echa en falta a otras antologías análogas aquí se sustituye por la plena solvencia de la selección final. Entre proyectos en plantilla y las colaboraciones resultantes de las Split- Series (no confundir con el subsello Splinter Series) el recopilatorio que celebra el sexto aniversario del sello representa, mejor que cualquier disco en particular, la esencia de una marca ecléctica por naturaleza. Aquí encontramos el “Die in California” de KID606; la remezcla del “Al lis full of love” (BJORK) a cargo de FUNKSTORUNG, por primera vez en CD; las colaboraciones que MATMOS y FENNESZ aportaron al sello; y clásicos como el “Green Grass Of Tunnel” de MÚM, entre otros. La mejor introducción a un universo creativo, por encima de todo.

Y ADEMÁS…

SIGUR RÓS (ÁGAETIS BYRJUN, 2000)
XINLISUPREME (TOMORROW NEVER COMES, 2002)
MÚM (FINALLY WE ARE NO ONE, 2002)
SYLVAIN CHAUVEAU (UN AUTRE DECEMBRE, 2003)
BLACK DICE (CREATURE COMFORTS, 2004)

DAVID GRUBBS (A GUESS AT THE RIDDLE, 2004)
ANIMAL COLLECTIVE (PEOPLE, 2007)

NINA NASTASIA AND JIM WHITE (YOU FOLLOW ME, 2007)

2007: TRES DISCOS CON UN INMEDIATO OLOR A CLÁSICO

Hay ruido en las calles. Sonidos crudos, sonidos reales para enmudecer los inofensivos chillidos de las tendencias de temporada. Hay música fantástica después de la hecatombe. Activistas con ganas de reinventar sonidos y maneras, electrónicas o puramente eléctricas, exultantes o intimistas. Musicos que se hacen cada vez más grandes. ¿Cómo? Rompiendo el cascaron del indie y dándole la razón a quienes piensan que la perseverancia si da frutos. Texturas musicales para los valientes, para los ambiciosos, para los atrevidos que van más alla del estereotipo. Por que por encima de las marcas, prevalece la sensiilidad y el buen criterio.

He tenido la imprudencia y el atrevimiento de hablar de tres discos destacables en lo que va corrido del 2007. Tres discos que seguramente no aparecerán en lo mejor del año según “Rolling Stone” (la biblia del rock). Si pueden escucharlos... Juzguenlos Ustedes mismos.

PANDA BEAR
Person Pitch
Discmedi 2007

Primeras impresiones tras un rastreo rápido por la red: el nuevo largo de Noah Lennox, Panda Bear para el arte, es definido en varias ocasiones como el encuentro, aquí posible, entre Beach Boys y Liars. Una etiqueta que podría parecer descabellada pero que no anda desencaminada: "Person Pitch" ilumina sus minutos con melodías vaporosas mientras juega con el ritmo y disloca el tempo. Nada que se aleje, sobre el papel, de lo que Animal Collective viene manufacturando desde principios de década, esa mescolanza de folk, pop, noise, psicodelia, matematica e improvisación que los ha convertido en una de las células más fascinantes e impresindibles del subsuelo neoyorkino. Inquietos e hiperactivos por naturaleza, los miembros del colectivo animal disparan sus armas desde distintos frentes, en alianzas más o menos temporales que a veces sirven de banco de pruebas para el grupo madre.
El oso panda ya se fogueaba desde adolescente entre las cuatro paredes de su Baltimore natal: en 1998 publicó el desde hace tiempo inencontrable “Panda Bear” (soccer star), álbum que sirvió de precedente para el establecimiento definitivo, tras su encuentro con Avey Tare (David Portner), del colectivo animal un par de años después.
La segunda entrega en solitario del oso panda no llegaría hasta seis años más tarde de ese (casi) clandestino debut con “Young Prayer” (2004), treinta minutos de lamentos a pelo – voz, guitarra, piano – en memoria de su fallecido padre, un disco irrepetible de folk en los huesos, oraciones suspendidas en el dolor para un adiós sonoro que casi daba miedo. Tres años dspues “Person Pitch” cambia de registro para entregar una colección de canciones que ha olvidado el ascetismo para ungirse en arreglos detallistas y luminosos. Desde su guarida en Lisboa – donde está instalado con su mujer y su prole – y con la estimable ayuda de su amigo el sampler (y del ingeniero Rusty Santos, su compinche cuando operan como Together), Noah ha construido un arco iris de pop casi barroco que parece jugar en dos estadios diferentes: por un lado, las melodías vocales en el más puro estilo tradicional de pop dulce e ingenuo; por otro, el soporte musical sobre el que éstas flotan, un paisaje de capas y capas de sonidos que crean extraños e hipnoticos decorados para la arte vocal. El resultado, algo asi como Brian Wilson perdido en un laberinto diseñado por David Lynch o Phil Spector manipulando el “Endless Summer” de Fennesz, desemboca en 45 minutos que suenan a la vez familiares y alienígenas dando una nueva vuelta de tuerca a un concepto de avant – pop que lo mismo picotea del shoegazing que del laptopismo sin adscribirse a ninguno de sus postulados (y la lista de nombres que ilustra el libreto lo deja todavía más claro y más alto: de Basic Channel a Joni Mitchel, de Tom Jobim a The Chills, de Bob Marley a Luomo). Teclados, coros, guitarras acústicas o percusiones se acercan y se alejan como las sonoras cuya única razón final de ser es el magma musical que generan. Un verdadero trabajo de magia artesanal que lo mismo puede remitir a ignotas ceremonias tribales – los monumentales “Good Circus/Carrots” y “Bros” – que a microscópicos ejercicios de baile autista – “Pony – tail” - , ke levita sobre lagos de calma lisérgica o provoca suaves trances hacia la catarsis.
El peligro que puede acechar a cualquier ejercicio de música procesada ha sido evitado con el máximo escrúpulo: cada corte se ha armado y testado cuidadosamnte (algunos han aparecido en ediciones anteriores de 12 pulgadas) para encontrar la alquimia deseada. Muestreos y flirteos con la electrónica se disuelven en redes acústicas sin que el choque chirrie, distraiga o aburra como en la mayoría de muchas nuevas propuestas que no digo el nombre pero que estoy mirando. Juego de espejos entre el clasisismo y la experimentación, “Person Pitch” tiene identidad propia al margen de los crucigramas del colectivo – demuestra con genio que todavía es posible crear algo personal sin tener que lanzarse a ciegas al pozo de la vanguardia más obtusa. Aquí hay música para soñar, ritmo y, sobre todo, melodías de seda creciendo entre brumas de inquietud. Un verdadero acontecimiento. Hermoso y elegante.

KLAXONS
MYTHS OF THE NEAR FUTURE
POLYDOR – UNIVERSAL

El modelo de este año, en linea de salida desde el anterior. La velocidad de las cosas lleva hasta el nu rave, una etiqueta que no indica nada o en todo caso algo tan evidente como constatar que los oyentes del rock más o menos indie también bailan. O lo intentan. Sea lo que sea, Klaxons han empaquetado un debut a la altura de las expectativas de ls singles precedentes. Aquí hay rock de apariencia rebelde bañado en electricidad urgente y descarada, melodías de alta graduacion, una imagineria original repleta de guiños literarios y ritmos con el espasmo justo para mantener los ojos abiertos y los pies en movimiento hasta que el sol salga (o se ponga). Jamie Reynolds, Simon Taylor y James Righton – con la ayuda de James Ford de Simian Mobile Disco – forman una alianza compacta que factura canciones directas salpicadas de detalles sofisticados, revientan bafles mientras conjugan voces angelicales y lanzan versos sobre el tiempo y el espacio en reverencia a escribas de difícil digestión como Tomas Pynchon, William Burroughts o Alesteir Crowly. Intelectuales bajo la bola de espejos con el rock como médium para atrapar el angts adolescente de principio de siglo. Franz Ferdinand o Bloc Party ya planteron la formula en el Reino Unido y “Myths of the near future” es una notable adición a ese rock de reciclaje que suena como nuevo, que no se muerde la lengua ante el peso del pasado . ¿Qué otros ya lo hicieron antes? Si…pero ellos en es momeno no estaban.
“Gravity´s Rainbow”, “Atlantis to Innerzone” y “Magick” son infalibles cañonazos bailables de elegancia extrema. Lo continúan siendo y marcan los picos – con “Golden Skans” – de un disco con pocas bajadas de presión. “Two Receivers” o “Forgotten Works” enseñan cartas más calmadas y triunfan en un apañado injerto que parece coser jirones de Beach Boys y Hot Chip. La versión de “It´s Not Over Yet” (Paul Oakenfold y Steve Obourne como Grace, 1995) pone la gota retro – perfecto y “cuerda” en las letras del álbum, una love song para brincar e implorar; y el cerrojazo con el alboroto de “Four Horsemen 2012”, la mitología apocalíptica. ¿Mitos de un futuro cercano? Probablemte no, pero a dia de hoy , en 2007 Klaxons tienen lo que hay que tener. Depende de las expectativas de cada cual si eso es sufiiente o no.

ARCADE FIRE
NEON BIBLE
SONOVOX

La fuerza dolorosa de Arcade Fire es una solución de intensidad en un mundo saturado de simulación. Ahora que kele Okereke (Bloc Party) ha quedado un poco menos en entredicho por su exceso de afectación adolescente, queda clara una cosa: desde Canadá, Win Butler, líder de Arcade Fire, es el definitivo mesías de la nueva generación indie, el hombre que guiará al más allá para recordarnos la belleza del más acá. Seguidle hermano, conoce el camino.
Superar algo como “Funeral” (2004) es un trabajo sucio, pero ellos tenían que hacerlo. A decir verdad, no lo han hecho: “Neon Bible” solo está a la altura colosal de su precedente. Estamos ante una secuela coherente y meritoria, exultante de emoción, cuyo único problema es su condición de segunda parte. Arcade Fire ya no sorprenden, pero siguen ahí, dando brochazos de hermosura vertiginosa a la realidad absurda. En una primera y perezosa escucha, esta nueva peripecia pop puede parecer más floja: la urgencia, los ritmos de cuatro por cuatro o la hiperactividad se reparten ahora el espacio con la reflexión, la calma, el interiorismo. Eso sí, pueden haber bajado algo de ritmo, pero no la intensidad.
La voz de Butler (en el cruce de David Byrne con Bruce Springsteen) es aglutinante expresivo en un álbum que envía salvajes andanadas de emoción a cualquiera de sus velocidades. La tetralogía “Neightborhood” tiene continuaciones valiosas en “Black Mirror”, “Keep The Car Running”, la espectacular “”Black Wave / Bad Vibrations” o “The Wheel And The lighthouse”, además de esa brutal revisión de “No Cars Go” (del EP de debut) mirando hacia un infinito posible donde los lunes ya serán historia. Pero también admirables son el susurro del tema titular (el de la referencia a John Kennedy Toole, cuya novela anterior a “la conjura de los necios” tenia igual nombre), la preciosa balada fifties “Ocean of noise” o esa “Intervention” cuya emoción proviene no del 4 x 4, sino de un órgano de iglesia. Son ellos sin repetirse; justo como debe ser. El grupo más relevante del último bienio se resiste a descender de categoría. genial.

NUEVA YORK ARDE: LCD SOUNDSYSTEM & !!! (REMAKE REMODELADO)

" Tres signos de admiración para muchos hits"

"El Dance-Punk y la escoria"

La escena disco – punk con centro neurálgico en Nueva York y que hace más o menos seis años y medio entró en el tablero del juego, literalmente acompañada de una recuperación del after punk más oscuro, ha conseguido ir más allá de donde lo dejaron sus predecesores. No es quizá el caso del grupo Interpol, convincentes en disco pero demasiado devotos de Joy Division en las formas, pero sí de los británicos Life Without Building – heredando el legado de The Fall –y de los neoyorkinos Liars, próximos a los postulados de Gang Of Four.
Como una de las épocas más convulsas de la historia del Rock, y a la vez de las menos documentadas, el Post Punk necesitaba de una puesta al día, o al menos de un grupo de artistas que retomara esa ética investigadora que, desde lo carnal, no prescribía nada: El pulso físico del funk, la fascinación por la tecnología primitiva, la rudeza de las guitarras, la música disco…

La diferencia es que antes no existía el house , que es el factor que desequilibra a favor de la contemporaneidad el trabajo de grupos como Radio 4, The Rapture, A.R.E. Weapons y las dos joyas de la corona: LCD SOUNDSYSTEM y !!! (leáse Chk Chk Chk).
La formula es una mezcla entre Punk y House, entre beats de baile tocados con batería, efectos de sonido y velocidad y, en algunos casos, recursos del Post Hard-core y el Dub. Esto indica que no se trata solamente de un vistazo a través del retrovisor, sino una confluencia espacio – temporal de influencias con la vista puesta al frente.

Pero bueno, no vale la pena seguir hablando de Punk – Funk. Los nuevos discos de este par de bandas acaban de reducir a cenizas sus referencias. Mientras la nueva grabación de james Murphy ahonda en una formula ganadora sin asomar la cabeza al abismo (Ni falta que le hace), el nuevo álbum de !!! Le gana la partida a su anterior “Louden Up Now”. Eso si, no esperen resultados instantáneos. Tanto “Sound Of Silver como “Myth Takes” son discos que recopilan algunas de las corrientes de baile más apasionantes, subterráneas y crujientes de las últimas cuatro décadas. Un par de discos sudorosos, repetitivos y agobiantes, pero también deliciosos y casi House.

LCD SOUNDSYSTEM (SOUND OF SILVER) DFA RECORDS

Un momento, un lugar, un sonido. Las reglas no pactadas del Punk-Funk con carcasa dance son reinventadas a bombo, platillo, cencerro, pandereta electrónica y mucha rayadera por James Murphy y Tim Goldsworthy, capitostes de Death from Above (DFA Rec.) y, a la postre, responsables de LCD Soundsystem y de ese ejercicio sonoro que recorre el espinazo neoyorkino en un viaje sin retorno de las catatumbas a las pistas de baile.
Estamos en el 2007. Cinco años antes LCD Soundsystem y su “Losing My Edge” ya habían abierto la puerta del laboratorio DFA, un espacio de experimentación donde la cadena genética del rock se veía seriamente alterada para cobijar secuencias de electrónica mate y cromosomas de nitroglicerina Funk. Ahora, el rey de la jungla neoyorkina, nos presenta este nuevo disco, un bacanal de ritmo y baile con el que se apunta un nuevo tanto. Una vibrante colección de tracks que asombran tanto por su ímpetu como por su capacidad de concreción. Un álbum incendiario, polirritmico e incestuoso con el que Murphy no sólo sienta cátedra sonora, sino que solidifica con soltura e imaginación el sonido de la calle. Un flamante tratado de rock y música dance combinado con precisión milimétrica, enlazado con maestría y unido en una orgia rítmica sin desperdicio. 9 temas en 57 minutos repletos de diversión, mucho Groove y mucho cencerro. Desde la krafwerkiana “Get Innocuous” hasta ese crescendo orgiástico de percusiones que lleva por titulo “Us Vs Them”, pasando por la rotunda “North American Scum”, que nos remite a los momentos más vibrantes de sus primeros 12 pulgadas, la rockera “Watch The Tapes” o la enigmática pieza que da nombre al disco y que moderniza con efectividad el legado de The Human League, sin mencionar ese infalible cañonazo de adrenalina en ebullición que es “Someone Great” junto a la final ¿irónica? “New York I Love You”.
¡Fabulous!

!!! (MYTH TAKES) WARP RECORDS

Mientras James Murphy coquetea y apuesta mas con la electrónica y el pop en su “Sound Of Silver”, Nic Offer y sus compañeros de !!! continúan experimentando con la rítmica más sucia, sexual e inteligente al mismo tiempo: “Myth Takes” – juego de palabras con “mistakes” (errores) – grabado en una enorme nave vacía en Nashville, producido de nuevo por Justin Van Der Volgen (bajista de la formación) y editado por el olfato más agudo de Inglaterra (WARP) - ¡ vaya carta de presentación! - es un bello artefacto compuesto por diez efectivas piezas que se lanzan de cabeza a las sugerentes aguas del (Punk) Funk más visceral sin hacerle asko a las percusiones brasileras y cubanas, a los vientos (“Break In Case Of Anything”), a los falsetes más setentas (“A New Name”), a nuevos registros vocales (“Sweet Life”), a los desvaríos electrónicos, a ese fluir incontrolado por el que se dejan llevar conforme el minutaje de sus canciones se va desarrollando e incluso a los pianos más lánguidos (“Infinifold”).
Los estadounidenses no quieren oír hablar más de Post-Punk o Dance-Rock, aunque su actualidad tiene mucho más que ver con como sonarían P.I.L. (Public Image Ltda.) si versionaran a The Meeteres en The Hacienda en Manchester y, su dieta combinase proteínas, hidratos de carbono, grasas saturadas, alcohol, anfetaminas y éxtasis a partes iguales. Todo ello sin abandonar por un instante esa experimentación que les ha caracterizado desde la edición de su debut al iniciarse la década actual, eso si, tomándose muy en serio el trabajo guitarrero (utilizan nuevas sonoridades que pueden escucharse al inicio del disco) y las endurecen en momentos puntuales.
Los singles iníciales son “Heart of Hearts”, seis minutos de gloria, Madchester actualizado, disco-funk carnal, circuitos quemados, falso final y traca letal, definitivamente el mejor tema y un clásico instantáneo, y “Must be The Moon” (¡no quiero imaginarme esta bomba sincopada capturadora de furia en concierto!)…
Un trabajo genial y matador….y de que manera.

Ojala y todos los revivals alimentaran tanto.

EL SINGULAR UNIVERSO DEL “INDIEHOP” / ANTICON

Cluddead: "Concierto para delinquir"

Doseone: "Psicodelia expansiva para hundirse en el limbo"

Deep Puddle Dynamics: "Las bestias haciendo beatboxing...para rematar"

La plana mayor del label: "Si los microfonos se sirvieran en los bares, estos tipos se los comerian con papas"... mantengase fuera del alcance de los niños

¿Psicodelia, dices? mas o menos nos interesa construir paisajes en la mente de quien nos escucha, para soñar sin salir de su cabeza...nuestra música está pensada para escuchar generalmente con auriculares. Es como una burbuja para viajar; si conseguimos congelarte durante 15 minutos, es que lo hemos logrado.

Adam "Doseone" Drucker

Anticon, no son esa clase de B – Boys que imaginas. En lugar de altos niveles de testosterona y una buena dosis de ladridos, los ocho prototipos de white trash que forman el núcleo de Anticon practican ese tipo de hip hop intuitivo y fuera de toda convención donde las reglas son otras, donde existe la libre investigación estilística. Son la crew del rap que escucha y venera el indie rock, una monstruosa combinación de psicodelia en el mismo centro del cerebro sin dejar de conservar las esencias del hip hop – si, si – más ortodoxo. Bajemos al underground del underground...
Anticon han conseguido lanzar el indie – rap a la carrera. Entre sus influencias más allá de las rimas vertiginosas y el flow de los mejores MCs, están el ambient, la baja fidelidad, el compromiso personal con la obra artística y el involucrarse hasta la medula: donde el resto del rap es egotrip (pose, ropa y cadenas), el indiehop es emocional y autobiográfico, confesional de la misma manera en que lo son los grupos de post-rock o los de post-folk.
Nada suena como ellos, tan expansivo y a la vez tan crudo, tan exuberante y del mismo modo tan frágil, tan vanguardista como intimo.
Estos chicos son un colectivo de francotiradores urbanos, fáciles de identificar por la imagen de la hormiga y organizados alrededor del sello del mismo nombre que, bien en solitario o agrupados en pequeños suborganismos como THEMSELVES, DEEP PUDDLE DYNAMICS o CLOUDDEAD, han venido editando desde 1999 alguna de la música más inclasificable y, a la vez, sugestiva de la Norteamérica slacker.
Vegetarianos, de izkierda radical, inquietos musicalmente, los de Anticon – apunten: - Doseone, Jel, Why?, Odd Nosdam, Sole, Alias, Passaje, Pedetstrian – son unos chicos de la era del Internet expuestos a demasiada información; B boys de corazón que no se resisten al consumo de literatura, post rock, indietronica, aire contaminado y pop de trazos irreales. Mejor dicho, unos verdaderos indies, que riman y construyen beats.
Desde finales de los 90, Anticon tienen su base en San Francisco, Doseone y Jel vivían en el medio oeste. El primero ya andaba metido en proyectos como Greenthink; el segundo era en aquel entonces un productor de ciernes con gusto por la electrónica más resbaladiza y bizarra. Entraron en contacto con Sole y Alias, involucrados en grupos de carácter muy arty, Live Poets y So Called Artist, y llegados desde la otra punta del país – Pórtland, estado de Maine. Simultáneamente contactaron con el núcleo de la crew Rhymescyres (Ant, Slug, Abilities) que poco después daría pie al grupo Atmosphere, quizás la más alta cumbre del rap de primera persona…confesional y dolorosamente sincero.

Ahí esta la génesis del núcleo de Anticon: Doseone, Alias, Jel y Slug grabaron bajo el alias de Deep Puddle Dynamics, su Álbum “The Taste of Rain…Why Kneel” (Anticon, 99) que les establecía como un tejido dado a la metamorfosis y a la colaboración: casi una decena de subgrupos y muchos invitados que forman una telaraña de relaciones caóticas, pero con un gusto especial por un hip hop empapado de sus esencias y fundamentos. Aquí no se juega a crear estilos desde el exterior del género, sino a desarrollar bases sólidas y la necesidad de llevarlas a fronteras más lejanas.

Como es de esperarse, un buen sector de la comunidad hiphoper o les ignora o simplemente no les traga. Mientras el otro – el del indie rock, pop y la IDM les adora –
Como bien dice Doseone: “Anticon, solo somos ocho seres humanos haciendo ruido emocional”

ARBOL FAMILIAR

Miembros Estables: Alias, Sole, Doseone, Jel, Why?, Pedetstrian, Passaje, Odd Nosdam

Artistas Relacionados: Sixtoo, Boom Bip, Sage Francis, Atmosphere (Ant y Slug), Josh Martínez, Sebutones, Buck 65, Controller 7, Mr. Dibbs.

Proyectos Activos: Themselves (Jel y Doseone), Clouddead (Odd Nosdam, Why? Y Pasaje), Reaching Quiet (Odd Nosdam Y Why?), Deep Puddle Dynamics (Doseone, Alias, Jel y Slug), Subtle (Doseone, Jel, Dax Pierson, Alexander Kost y Jordan Dalrymple)

BOTÁNICA DEL JÍBARO / BETA BODEGA / RICE AND BEANS

Beta Bodega Coalition: "Guerrilla Mutante Del Espacio Exterior"

La Mano Fria: "Un verdadero indio indie"

indie

Needle: "Inconformista...pero con fundamento"

El cartel de la IDM, la coalición de artistas que a través de la abstracción electrónica, el hip hop y el diseño grafico intentan poner de relevancia la problemática del tercer mundo. Beta Bodega Coalitions es un conglomerado de activismo social empeñado en ensamblar la vocación por el arte sonoro y las convicciones políticas de una izquierda que bien podría ser la misma que ese espectro intelectual que quiere representar “le monde diplomatique”, pero que nace del más recóndito underground.

Inspirados por movimientos como el FMLF salvadoreño, los zapatistas o los grupos reivindicativos que nacen espontáneamente por el malestar político en Latinoamérica, los miembros de la coalición se han organizado como una autentica guerrilla artística (pasamontañas incluidos) en el corazón de la florida, uno de los territorios con mayor población hispana de los Estados Unidos.

Desde Miami las propuestas de Beta Bodega introducen desde distintos frentes una ristra de ideas (anti-imperalialismo, creación de un nuevo orden, derechos humanos, etc) poco habituales en las huestes del laptopismo, de la electronica moderna. Más común, por otra parte, son este tipo de reflexiones en el mundo de la rima, obviamente; para dar salida a los proyectos de raíz hip hop, este movimiento fundó Botanica Del Jíbaro, de hecho, forman una coalición y un mismo frente de interés completado con Rice And Beans (El label que dirige La Mano fría) llamado actualmente Arepaz; tres sellos, una coalición, que se sirven de lo mejor de la cultura del beat, de la estética de la protesta contemporánea y, por supuesto, del do it yourself para lanzar una campaña que se manifiesta en forma de guerrillacore.

Los métodos para trasladar el mensaje a la restrictiva y poco discursiva IDM, al Glitchcore… son relativamente simplones. A saber: grabaciones de campo captadas en manifestaciones en la televisión y en discursos de los “opresores”, intercalados entre sonidos que pretenden evocar el fondo de la cuestión. Esto aderezado con el explicito contenido visual de los cedes y digipacks (reproducciones de decretos de expoliación, el secretario de defensa gringo practicando el sexo anal con Geoge Bush jr, guerrilleros armados…) formaliza una propuesta con acólitos entre bastantes productores en otros terrenos.

Así pues, PREFUSE 73 JAKE MADELL, FRANK METZERG, PONME, KIM CASCOTE, FULL SWING o RANDOM INDUSTRIES han pasado por el frente de batalla de Beta Bodega.

El grueso de la producción del sello lo forman Ultra-Red y sus discursos / proclamas directos infectados por el minimalismo de la ultima etapa de Mille Plateaux, la genial IDM –hop atropellada de OTTO VON SCHIRAC, SETH P BRUNDEZ o PATCHA KUTEK y la interacción audiovisual del arquitecto NEEDLE.

Arengados por "la mano fría" (una suerte de coordinador para que el engranaje no pare) MANUVERS, EVOLVER, CYNE y ANTENNA, entre otros, están tras el micro de Botanica del Jíbaro. Reinventando la función de los nuyorican poets, los MCs jíbaros de Estados Unidos, extienden la problemática de la comunidad a todos los rincones del imperio. Y no son los únicos: gente como Edwin Torres han vuelto a traer a colisión el orgullo latino y la electrónica sin caer en la pose de P. Diddy, ni en el mainstream con mensaje trasnochado.
Es difícil encontrar otras propuestas editoriales similares: "Son un pequeño reducto en un universo cargado de hedonismo y maricadas por un lado y divismo y creerse estrellas por otro". No obstante, plataformas que aboguen por la libre circulación de la música por la red, por el copyleft y por la reivindicación política siempre encontraran acomodo en el bunker de Miami: La gente de Antiopic, que continuamente pone a disposición de todos recopilaciones en la red; Protest Records, el sello en mp3 de Thurston Moore (Sonic Youth), con temas exclusivos y exclusivamente reivindicativos; o ,Schematic con los que comparte algunos artista, gusto por la electrónica cortante y lugar de origen.

Definitivamente….¡¡¡Verdaderos Indies!!!.


DISCOGRAFÍA DESTACADA

DOCNUKE.COM (PETROLEUM PEEPSHOW)
NEEDLE (TRANSMSSM.00114)
ULTRA-RED (DESARROLLOS SOSTENIBLES)
BETA BODEGA COALITIONS (BETAQUATCH)
BETA BODEGA COALITIONS / SETH P. BRUNDEL (BANANA REPUBLIC VOL3)
MANUVERS (SUPERNATURAL TANGETS)

FAN FATAL - SEGUNDO ANUARIO EN CANDELARIO

Pues si, van 2 añitos dándole rienda suelta al recreo musical y visual que es fan fatal, al corrompimiento de los oídos y las susceptibilidades intocables, reivindicando hits de nuestra verdadera memoria audiovisual, claro, como siempre creyéndonos los únicos pone discos, pues la elegancia y la ordinariez a la hora de la fiesta solo se improvisan y de paso ayudan a opacar tanto erudito imitador, porque de hecho se necesita algo más que nombres de drogas baratas o autoetiquetas de no diyei que terminan sucumbiendo ante sí mismas… aquí no hay que convencer a nadie de tener razón alguna y mucho menos con cosas prestadas, aquí lo que importa es que el o los mequetrefes tras los botoncitos se diviertan más que el público.

Por estas breves razones les incitamos a seguir acolitando tanta canallada fiestacional a nombre de FF y como ya se dijo, son 2 anuarios “haciendo rechinar baldosa y coquetiando con el personal”. Es más, como estamos de cumpleaños nos puedes regalar un CD quemado con una selección de tu carpeta de I Tunes de canciones que te gustaría escuchar esa noche y en próximas Fan Fatales, así enriquecerás nuestro abanico (locomía) musical y tú gozarás como enano. A cambio te regalaremos un fanzine de Fan Fatal con una recopilación de los volante-cómics que han salido desde que empezamos y otro material extra. (¡¡¡Sí!!!, leyeron bien: UN FANZÍN). Y si eres niña o un atractivo travesti te encimamos un piquito.
Para finalizar y adelantar algo, habrá porristas, poca ropa, muchas máscaras y camisetas, así que si te animas a enmascararte y llegas entre los primeros 666 te regalamos ½ de agualoco (aguardiente), de resto no esperes más premios, ni más sorpresas.

Fan Fatal
Viernes 15 de Junio de 2007
Candelario (calle 13 # 4 - 94) / 9pm / 10mil (incluye whisky)

¡TETAS AL AIRE!...PUNK, RIOT GRRRLS Y MUCHO INDIE VAGINAL

Hole..."Unas putas de juguete en la tierra del Grunge"

Babes In Toyland..."Candor infantil y estética de prostitutas"

L7..."Girl power en estado puro"

"Me gusta la comodidad de saber que las mujeres son generalmente superiores y naturalmente menos violentas que los hombres. Me gusta la comodidad de saber que las mujeres son el único futuro en el Rock and Roll".

Kurt Cobain (Diarios personales, 2003).

Kurt

Cobain

Empezar a hablar de la relevancia que ha tenido la mujer en la escena musical independiente sería una labor de características considerables. Sería transportarnos a finales de la década de los setenta, en plena eclosión Punk. Y aunque hacerlo resultaría bastante interesante, necesitaríamos de muchas líneas y demasiado tiempo para finiquitarlo.
Así pues, y aunque existan precedentes más o menos ilustres, nos limitaremos solo a hablar de un considerable número de elementos femeninos que confirman la creciente normalización y el profundo acceso al grandioso universo indie.

Definitivamente, las mujeres han tenido un papel fundamental dentro de un movimiento que, por encima de sus logros musicales, redefinió muchos de los aspectos imperantes en la cultura Rock. Los grupos de chicas no solo aportaron una corriente antisexista, sino que incluso fueron los que desarrollaron – duélale a quien le duela –mayor creatividad y conceptos más radicales. Por ejemplo, The Gits. Aunque no era una banda ciento por ciento femenina, la personalidad de su líder, Mía Zapata, les dotó de una perspectiva neofeminista a base de rabia, actitud punk y manifiestos existenciales que encajaban con el ideario indie riot grrrl.
Debutaron en 1992 con el álbum “Frenching The Bully”. Un año después, Zapata era brutalmente violada y asesinada, un suceso que conmocionó para siempre al Seattle rockero. En su homenaje, el recopilatorio “The Art of self defense”, reunió a artistas como Nirvana, Pearl Jam o la ex líder de los seminales The Runaways, Joan Jett, quien en 1996 llegó a ser cantante ocasional de unos The Gits que siguieron funcionando a pesar de la perdida de su voz primigenia.
La inspiración de esta banda fue fundamental en grupos como 7 Years Bitch, cuyo ¡Viva Zapata! (1993) fue un inspirado homenaje a Mía.

Antes en 1984, en la ciudad de Pórtland, tres amigas llamadas Courtney Love, Kat Bjelland y Jennifer Finch formaban la efímera banda Sugar Baby Doll (solo ofrecieron dos conciertos), pero a la vez muy importante en tanto que germen de tres grupos clave respectivamente: Hole, Babes In Toyland(Kat Bjelland Junto a Michelle Leon y Lori Barbero) y L7 (Donita Sparks y Jennifer Finch), ni mas ni menos.
Desgraciadamente eclipsados por la turbulenta biografía y el interés mediático del personaje de Love, Hole ha sido uno de los escasísimos grupos capaces de trascender la filiación grunge, subvertir estereotipos y alcanzar altas cotas de creatividad por si mismos.
Courtney Love, acabó encontrando en Hole el filón para una obra tan salvajemente confesional como rotunda y ruidosa a lo largo de tres álbumes: Pretty on the inside (1991), Live throught this (1994) y Celebrity Skin (1998).
Tanto Hole como Babes In Toyland parecían buscar el sonido más ruidoso y los gritos más desgarradores mientras adoptaban la estética bautizada por ellas como “kinderwhore” (putas de infancia): camisones rotos, lápiz de labio rojo descuidado. Parecían mostrarse al mismo tiempo como victimas de una violación, muñecas rotas y, efectivamente, prostitutas infantiles, la virgen y la meretriz, la niña inocente y la mujer arrogante, rompiendo así las etiquetas impuestas históricamente por la cultura patriarcal.

Contra el bobo – tonto - rock de Guns and Roses se instauró un coño – rock heredado de grupos de los setenta como The Slits, The Runaways o The Raincoats, a quienes Kurt Cobain abordó para invitarlas como teloneras de sus giras.

Love, enseñaba las superficies de la cultura del glamour para mostrar sus monstruosidades interiores. Sus canciones eran como despedazar a una Barbie: el final de los sueños de los cuentos de hadas y los ideales socialistas de belleza, directamente a los fundamentos de una cultura que, para ellas, solo generaba dolor y frustración, aun mas endurecida desde un discurso plenamente femenino.
Hole tampoco se libraron de la tragedia, con el fallecimiento por sobredosis de su bajista Kristin Pfaff, en Junio de 1994.

El auge del rock alternativo y su suceso a los grandes medios contribuye a que un puñado de bandas féminas se haga escuchar con gran fuerza. Aunque no hay que adscribirlas a ningún género en concreto, todas ellas comparten referencias sonoras punk y hard rock, actitud de confrontación y militancia underground. No forman ningún movimiento como tal, pero los miembros de Sonic Youth, catalizadores de gran parte de la música de riesgo de los últimos veinte años se encargarían de perfilar sus rasgos ideológicos.

RIOT GRRRLS...

Kathleen Hanna..."Primera en su clase"

Le Tigre..."La protesta mutada en una fiesta de confeti"

Sleater Kinney...¡¡ ooopppsss !!

Erase Errata..."Crispado Bofetón al Star - System del Rock"

Cuenta la leyenda que el término “riot grrrl” fue inventado por el líder de Nirvana: inicialmente tomado a través de un fanzine indie llamado “Riot Girls”, Cobain lo transformó para la historia cuando le regaló a Toby Vail de Bikini Kill un disco con la dedicatoria “You are a riot grrrl” - de manera onomatopéyica, por supuesto-.

El origen de las “riot grrrls” se halla en Olimpia (Washington), donde el sello indie k Records, regentado por Calvin Jonhson (ex componente de Beat Happening) organiza en agosto de 1991 la International Pop Underground Convention, un festival de música en directo que inicio con un día específicamente dedicado a las mujeres. Por el escenario pasaron grupos como L7, 7 Year Bitch, Mecca Normal, Bratmobile, Tigre Trap, Heavens to Betsy y Courtney Love. El concierto ponía de manifiesto la existencia de un nutrido número de mujeres implicadas en la creación musical underground, y la idea de agruparse para luchar desde una misma perspectiva fue tomando forma al mismo tiempo que veían la luz fanzines creados como órganos de difusión específicos como el supremo “Bikini Girl Power”.
Además de la filosofía punk del “do it yourself”, el sustento ideológico del movimiento se halla en otro grupo de Washington, The Nation Of Ulysses (de composición masculina), y quienes preferían considerarse un partido político terrorista antes que una banda de rock. Sus declaraciones de corte radical y su actitud nihilista prendió fácilmente a toda una gama de jovencitas dispuestas a reivindicar su actitud de chicas duras, pero también necesitadas de acción conjunta.
Quienes no faltaron a sus clases ni un solo día fueron las extraordinarias Bikini Kill. Originarias de Washington, fueron el grupo estandarte del movimiento principal, a causa de la relevancia adquirida por su líder, Kathleen Hanna (Diosa absoluta de toda esta revolución), editora de fanzines, activista feminista y apasionada de la causa indie, erigida en portavoz oficiosa de las riot grrrls por los medios de comunicación a raíz de sus involuntaria propensión a ofrecer titulares tan llamativos como : “en los conciertos suelo quedar con las tetas al aire, para que los tipos piensen ¡vaya zorra! Porque es así como siempre han pensado de nosotras.”
El grupo completado por Toby Vail y Kathy Wilcox, debutó en 1991 con un EP homónimo producido por su majestad Ian Mackaye (fugazi) y publicado por el sello Indie,Kill Rock Stars , de inmediato se situaron a la cabeza de una nueva revolución sonora.
Bikini Kill se mantuvieron en actividad hasta 1998, año en que Kathleen Hanna decide ampliar sus horizontes musicales y graba un disco en solitario bajo el apelativo de Julie Ruin.
Poco después pondría en marcha Le Tigre, un nuevo grupo junto a la cineasta Sadie Benning y la editora de fanzines Johanna Fateman. Sin renunciar a sus convicciones ideológicas daba un paso importante al avanzar notablemente a otro nivel sonoro, incorporando las nuevas tecnologías en su modo de componer y adaptando el mensaje “riot” en tiempo presente.

En 1993, Corin Tucker se uniría a Carrie Brownstein y a Lora Mcfarlene y pondrían en marcha La maravillosa propuesta indie rocker de Sleater Kinney, banda todavía en activo, que puede considerarse junto a Le Tigre, como la mejor herencia contemporánea del movimiento “riot”, no solo por su longetividad artística, sino también por la inteligente evolución sonora que el trío ha protagonizado. Desde su debut homonimo, aparecido en 1995, hasta el impecable One Beat (2002), han recorrido un trayecto marcado inicialmente por un abanico de influencias y rasgos de territorio sonoro que crece a pasos agigantados en sus siguientes trabajos. Sleater Kinney se han posicionado como el grupo femenino definitivo por excelencia, con la más maciza alineación de voz afilada, una guitarra que araña y ritmos primitivos que uno pueda soñar para el rock con actitud punk y corazón pop.

Finalmente, si existe algo realmente fabuloso de lo que pudiéramos hablar, eso seria sin duda la aparición de las rotundamente fantásticas Erase Errata, quienes ponen el obligatorio punto y seguido en un recorrido que podría extenderse enormente. Procedentes de San Francisco, Jenny Hoyston, Ellie Ericsson, Bianca Sparta y Sara Jaffe, unen sus fuerzas a finales de 1999. Su debut, Other Animals (2001) es un tratado de noise rock complejo y visceral que las convierte de inmediato en una de las bandas más geniales del indie rock americano - o quizá de todo el indie -. Alinean sus discursos con el de una hipotética corriente post riot grrrl y una feminista escena post punk en la que comparten protagonismo con las propias Le Tigre o Chicks On Speed.

Confuso, cuestionable o incluso autodestructivo, el fenómeno “riot grrrl” consiguió, al menos que centenares de mujeres escogieran la música como medio para expresar sus opiniones. Y su influencia, para bien o para mal, salpicó a todos los grupos de mujeres de los noventa.
El movimiento riot grrrl quizá sea la ultima manifestación colectiva de una iniciativa común femenina en la escena de rock indie contemporánea y Katlheen Hanna será siempre lo más sublime que ha dado el movimiento.

No existe un frente común, lo cual permite conformar la definitiva integración de la mujer en la independencia musical. Sus aportaciones merecen más y más párrafos, pero como dije al principio, se necesitaría de mucho más tiempo para hacerlo.
Creo que con esto hemos logrado realizar una ligera aproximación a un tema bastante extenso puesto que son muchas sus protagonistas y muchas sus leyendas.

Si quieren seguir buscando heroínas sólidas, pueden recurrir a los mitos indies por excelencia:

Kim Gordon (Sonic Youth)
Jennifer Herrera (Royal Truxx)
Julia Cafritz y Cristina Martínez (Pussy Galore –Boss Hogg)
Jenny Toomey (My New Boyfriend)
Tina Weymouth (Talking Heads)
Debbie Harry (Blondie)
Yvi Rorschach (The Cramps)
Lesley Woods (The Au Pairs)
Pauline Murray (Penetration)
Poly Styrene (X – Ray Spex)
Gaye Advert (The Adverts)
Debora Iyall (Romeo Void)
Penelope Houston (The Avengers)
Wendy O. Williams (PLasmatics)
Kim y Kelly Deal (The Breeders – Pixies)
Tanya Donelly (Belly – Throwing Muses – The Breeders)
Juliana Hatfield (The Black Babies)
Georgia Hubley (Yo la tengo)
Laetitia Sadier – Mary Hansen (Stereolab)
Chan Marshall (Cat Power)
Siouxie Sioux
Diamanda Galas
PJ Harvey
Patty Smith
Liz Phair
Luscious Jackson
Indigo Girl
Elastica
Slant 6
Dixie Chicks
Mambo Taxi
Pussycat Trash
Voodoo Queens

DISCOGRAFIA DESTACADA

The Slits – Cut (Island, 1979)
Babes in Toyland – Fontanelle (Southern, 1992)
Bikini Kill – Pussywhipped (Kill Rock Stars, 1993)
Bratmobile – Pottymouth (Kill Rock Stars, 1993)
Hole – Live Throught This (Geffen, 1994)
PJ Harvey – Rid Of Me (Island, 1993)
Sleater Kinney – Call The Doctor (Chainsaw, 1996)
Le Tigre – Le tigre (Mr. Lady, 1999)
Erase Errata – At Cristal Palace (Troubleman, 2003)
Peaches – The teaches of Peaches (Kitty yo, 2000)
Chicks on Speed – Will save us all! (Chicks on speed, 2000)

DE JOY DIVISION A NEW ORDER (Nihilismo a ultranza y Aniversario 27 de la muerte de Ian Curtis)

Joy Division: "Postdata de una quimera"

Ian Curtis: "El Cardiograma de la desesperación"

New Order: "La Octava Maravilla"

"La televisión parpadea, lagrimas de mármol, el cardiograma de la desesperación, la soga estática: testamento final. "El amor nos desgarra de nuevo".

Hay algo de enigma en Manchester, y en el porqué esa ciudad ha ido reconvirtiendo buena parte de la escena de rock británica en sucesivas etapas, siempre en nuevas direcciones pero manteniendo un espíritu especial en grupos tan distintos: primero Joy Division y New Order, luego The Smiths y James, después Happy Mondays y Stone Roses, con sus respectivos acólitos. El misterio fue uno de los elementos que mejor funcionó con un grupo seminal donde los haya: Joy Division

Este cuarteto britanico, previamente conocido como Warsaw, en homenaje a un tema del Low de David Bowie y posteriormente llamados Joy Division (Designación dada a los refugios en los campos de concentración nazis utilizados para la “diversión” de éstos con mujeres, a las que obligaban a prostituirse), con aspecto de chicos normales y callados y quienes describían en sus canciones un paisaje interiorizado de soledad, incertidumbre, romanticismo y belleza en blanco y negro. Practicantes de un rock extremadamente percusivo y alienante por la conjunción de sus instrumentistas. El contundente baterista Steven Morris, el imaginativo bajista Peter Hook y el guitarrista Bernard Albrecht eran el perfecto colchón para las angustiosas performances de Ian Curtis, que rozaba y en ocasiones alcanzaba, el paroxismo epiléptico en directo, lo que provocó un merecido hype alrededor de su primer LP, Unknown Pleasures (Factory, 1979).

El misterio lo alimentaba todo. Las portadas minimalistas, conceptuales, de antiguo romanticismo decadente o apoyadas en signos y colores de escondidos significados servidas por todo un revolucionario del concepto grafico para los discos, Peter Saville, era una tarjeta de presentación hacia la intriga, sin fotos, ni información sobre el grupo, que permanecía ajeno a la obligación de convertirse en escaparate de su música. Y eso, al mismo tiempo que triunfaba la New Wave y el pop más alegre. Aunque con el tiempo esa negación de la imagen pública se reveló fundamental para crear una mítica que ha sido básica en ese atractivo que ha tratado de crear a su alrededor el mundo del indie.

Casi entrada la nueva década, Curtis descubre que tiene epilepsia y comienza a llevar un férreo control medico que le trajo por la calle de la amargura, curiosamente, adaptó las convulsiones reales de sus ataques a sus movimientos sobre un escenario. Una gira con los Buzzcocks y algunos conciertos por Europa hacen que Ian se tope en Bruselas con la joven y hermosa Annik Honoré. Recordemos que Ian Curtis estaba casado con Deborah Woodruffe desde 1975 y que su primera hija había nacido en Abril del 79.
Si como dijo Tony Wilson, uno se busca amantes para que la vida de un artista en la carretera sea más fácil, Annik le complicó la suya a Ian. Ella le mostraba afecto de manera discontinua y tibia, como si el amor fuese la cosa más horrenda del mundo. Dos intentos de suicidio, visitas al Psiquiatra y el ultimátum dado por su mujer para que abandone a Annik, Ian lo intenta, pero más tarde reincide y Deborah le pide el divorcio.

Curtis era un tipo triste y depresivo que no sabía como afrontar la vida, por lo que el 18 de mayo de 1980, después de verse Stroszek de Werner Herzog, Donde un músico alemán viaja a Estados Unidos, sufre un tremendo rechazo emocional, tiene que decidir entre dos personas y acaba suicidándose. Amenizado por The Idiot de Iggy Pop, decidió ahorcarse en una viga de la cocina. El culto a Joy Division aumentó extraordinariamente, y los póstumos singles – Love Will Tears Us Appart y LP Closer (Factory, 1980)- fueron recibidos con total veneración.
Es difícil discernir ahora cuanto morbo había en ese entusiasmo, pero lo cierto es que la música de Joy Division merece respeto, siempre, por encima de cualquier intento de mórbida banalización.
Con el tiempo se les calificaría de simplemente depresivos, una etiqueta tan facilona y pobre para el complejo mundo de sensibilidad de la banda.

La utilización de sintetizadores fue uno de sus maximos atrevimientos: otros grupos surgidos de la era punk los utilizaban ya, pero siempre con una tendencia maquinal heredada, digamos, de Kraftwerk. Pero Joy Division creaban con ellos melancólicos fondos casi orquestales, muy cercanos a los fundados por los King Crimson de los setenta con su magistral utilización del mellotrón. Además de incrementar su romanticismo desolado, Joy Division rompían así ciertos tabúes creados por el punk, y abrían brechas en distintas direcciones para las siguientes generaciones, empezando por su propia continuación: New Order

Sin embargo, la vida seguía, y los restantes miembros demostraron tal verdad: se rebautizaron como New Order, incorporaron a los teclados a la novia de Morris (Gillian Gilbert) y publicaron Movement (Factory, 1981) todavía con la sombra de Ian Curtis demasiado presente, sobre todo en la pobre prestación vocal de Bernard Albrecht, quien había cambiado su apellido a Sumner. La banda no descansaba, e insistió en combinar sus armas conocidas con teclados y cajas de ritmo: el magnifico Power, Corruption and Lies (Factory, 1983) fue el resultado obtenido, con una de las mejores portadas de los ochenta, absolutamente antirock, fue la primera de sus gemas, y abrió las puertas a un sonido hipnótico pero absolutamente bailable y desacomplejado, que hermanaba el espíritu de bandas como A Certain Radio o 23 Skidoo con la música disco americana. En esa misma línea insistió el tremendo trío de maxis Blue Monday (1983)- el sencillo mas vendido en la historia de la música británica.Una revelación en toda regla. Un redoble de bombo tan característico e imitado tantas veces, como algo realmente revelador, la sensación de que algo nuevo se estaba creando a partir de ese detalle casi insignificante. Y así fue, Blue Monday, con su arrollador poder llenapistas y una innegable melancolía llevó al numero uno a un grupo que había forjado su leyenda en la negación de la fama y la imagen publica. Y que logró el extraño hito de seguir investigando en esa línea sin renunciar a lo abiertamente popular y sin estropear esa aureola especial con la que definían para siempre el concepto de grupo de culto.-, Confusion (1983) y Thieves Lives Us (1984).
Una vez hallada la formula tan solo cupo esperar a ver nacer los frutos: Low Life (factory, 1985), Brotherhood (Factory, 1986) y Technique (Factory, 1989), se encuentran dentro de los mejores discos de esa década – o de la historia- y New Order, quizá, la octava maravilla del mundo.

El recuerdo de algo triste puede ser patético como un pájaro negro que lleva un gusano en el pico, pero la música de Joy Division no solo no ha envejecido, sino que hoy mismo parece terriblemente futurista y visionaria, tan adelantada a su tiempo que parece hablarnos de lo que todavía está por llegar.

EVERETT TRUE

Me llamo Everett True. Edito y publico para la revista musical independiente británica “Careless Talk Costs Lives”.
Con lo de independiente me refiero a que no tenemos fuentes externas de fondos, no tenemos obligaciones con nadie, tampoco con nuestros lectores. Solo hablaremos de la música que nos gusta, como el patio de juegos de Scout Niblet, el trío minimalista Young People o Erase Errata. Las ventas no nos merecen ninguna consideración, la calidad y el orgullo por lo que hacemos prima sobre todo lo demás. Nos consideramos individualistas y estaremos bien lejos de la industria como sea posible: Aceptaré que escriban sobre el tapete solo personas que de verdad amen la música y el arte. Me dicen que para alcanzar a tanta gente deberíamos cambiar ciertos valores – no lo haremos - . Evitaremos los titulares de portadas, evitaremos el periodismo efectista, evitaremos las fotos promocionales, rechazamos la idea de que un artista sea más importante que otro porque su compañía discográfica tiene más dinero para comerciar con él.
De manera que estaremos al margen mayormente. Este hecho, sabemos con toda seguridad, enojará a muchos de nuestros lectores reales y potenciales, porque los medios populares – artistas mainstream, televisión mainstream, periódicos mainstream de súper formato – han lavado el cerebro a todo el mundo para que piensen que la popularidad es señal de éxito, y que el consumismo pide que todo esté fácilmente disponible, sin importar lo caro que sea el precio para los creadores individuales. Consideramos lo que hacemos como un arte, también un ejercicio de artesanía; todavía no hemos encontrado una definición satisfactoria del medio, pero, si alguna vez lo hacemos tendremos que utilizar las palabras “individualismo” y “perseverancia” en alguna parte.
La mayor parte de la vida adulta se pasa intentando anticiparse a otra gente, cuando ni siquiera esa otra gente sabe lo que quiere y, de hecho, también desperdician su tiempo intentando anticiparse a todo; de aquí las divisiones de marketing estratégico, los grupos focales y la demografía. De aquí, los nuevos singles de María carey y Busted y Coldplay y….bueno, en realidad de cualquiera que emplee un departamento de marketing y un productor. Los mismos artistas aseguran que no tienen un mercado en mente cuando escriben una canción original, pero ¿Qué es una canción? ¿Frases y acordes unidos de cualquier modo con la esperanza de que alguien venga y haga del asunto algo aprovechable más tarde? Los productores son celebrados si capturan el público – y eso incluye tanto el critico como el popular – pero eso solo significa que son mejores que la mayoría a la hora de anticiparse, suponemos que eso es un arte en sí mismo, pero nada loable, claro está.
De modo que aquí está uno de nuestros principios básicos para la música, y para el arte, y para la vida misma: hay dos tipos de arte (no necesariamente exclusivos), uno que está creado con otra persona en mente, y otro que no. Es una descripción tenue, y ciertamente no tiene nada que ver con conceptos de “valor” o “merito” (que siempre se deben al juicio individual y nunca son constantes), y la línea se emborrona si miran de cerca casos individuales, pero ahí está. Mainstream. Independiente. Dos conceptos muy diferentes. El segundo no debe ser confundido, en la esfera de música rock, con música indie, que es básicamente una actitud que ha sido codificada en un sonido particular, uno que suele tener que ver con sonidos de guitarra y niños blancos…aunque un creciente numero de chicas blancas y asiáticas están formando parte ahora en las festividades. Que una mediocre banda con ganas de ser Radiohead sea tan mediocre o fea –porque, por supuesto, la belleza fashionable es cardinal para el mainstream – que nadie quiera editar su penoso sonido y tenga que recurrir al cerdito de mamá para prensar sus Cds, no significa que sea una banda independiente. Lo mismo ocurre con la actual cosecha de bandas de new rock tan defendidas por desesperadas publicaciones mainstream como Spin o Rolling Stones, cuyo sonido ha sido perfeccionado y moldeado para un público especifico en mente…el mainstream alternativo.
Empecemos…

Texto extraído del libro "Teen Spirit" (Javier Blanquez / Juan Manuel Freire), 2004

BIENVENIDOS A "INDIELAND"

A INDIELAND...

“Como pueden oírme decir estas palabras y todavía no creerme”
The Smiths,
The boy with the thorn is his side, 1986

El adjetivo “independiente”, tan discutido como útil en el contexto de la música popular moderna, indica algunas de las características que cualquier clase de arte debería perseguir a toda costa: la autonomía, el rechazo al canon establecido, la libertad para construir nuevos marcos en los que desarrollar nuevas formas de expresión todavía desconocidas. Si existe un móvil detrás de lo que entendemos por “indie”, ese es el del inconformismo, la voluntad de hacer de la vivencia del arte algo más personal y puro que el tradicional círculo mercantil de la industria del ocio y la cultura: la fabricación y el posterior consumo de la obra acabada. Quizá no pueda competir en ventas o presencia en el mercado con otros sectores de la música, pero precisamente por eso el indie ha acabado siendo una actitud – reflejada por supuesto en tantos discos valiosos – extraordinariamente significativa por el día a día de tanta gente. Porque el pop independiente no promete solo una canción, un disco, un trámite estético que ciegue y distraiga: promete, de tú a tú, una vida mejor. No se hablará aquí ni de lujos ni de sofisticación – eso en este espacio carece de importancia – sino de intensidad, de emoción.
En contra del ideal romántico de vivir rápido, morir joven y dejar un cadáver precioso, el indie apuesta por la verdad, o por lo que su propia comunidad considera la verdad, que normalmente suele ser una alternativa más sincera a las maniobras estrictamente depredadoras del pop de consumo, generalmente creado para satisfacer más las necesidades del mercado que las del alma o el intelecto. No significa que en el indie se posicione conscientemente en contra del mainstream, sino que se presenta como una opción más sincera. Cuando a principios de la década de los noventa, y con la escena grunge como detonante, se empezó hablar de música alternativa (música que, por cierto, acabó suplantando al viejo orden en la cuadricula de la industria y, por tanto, acabó siendo alternativa a nada), la idea principal era esa: el ideal de una música capaz de dar puerta a escenas atrofiadas que ya nada podían aportar de nuevo al espíritu joven que normalmente debe acompañar a todo el que roce ligeramente la idea del rock.
Como diría en más de una ocasión, el indie es un estado mental, no un sonido particular o una actitud concreta. El mismo valor contracorriente puede tener un grupo de chicos blancos de clase media que graban para una multinacional como la más acérrimamente anticorporativa banda hardcore: la validez de una propuesta se mide exclusivamente en función de sus valores estéticos, de su significado puntual en un momento concreto, en un contexto histórico y cultural bien delimitado. Eso no quita, sin embargo, que por el simple placer de descubrir, dar apoyo a quien lo necesita y penetrar en las brumas de lo desconocido, nuestra simpatía nos lleve a estimar con especial cariño a bandas y artistas que se mueven en los márgenes, que aspiran a entrar en terrenos sonoros poco trillados, que quizá se resignan a ser conocidos por las minorías hasta que el contexto les arrastra hasta la superficie.Por eso, hay que ser subjetivo, pues hablaré de quien lo estime oportuno y de quien se supone que se tiene que hablar. O al menos no siempre. Un viaje a ciudades, personas y sonidos que, de alguna manera u otra, nos ha ayudado a tener una existencia mejor, un poco menos solitaria. Como suele decirse, esta es la banda sonora – bueno, parte de ella – de nuestras vidas.